Ambientes integrados, linhas retas e uma escala tonal sóbria: o estilo de vida minimalista de um jovem médico foi traduzido pelo escritório do arquiteto Junior Piacesi neste apartamento de 78 m² no bairro de Vila da Serra, em Belo Horizonte (MG). A morada deveria seguir uma linguagem contemporânea e ter espaço suficiente para o proprietário receber amigos, descansar e trabalhar. “A primeira providência foi eliminar as barreiras físicas entre sala e cozinha, criando assim uma tipologia de planta ampla e coerente com a dinâmica do morador”, diz o arquiteto, que instalou painéis que podem ser abertos ou fechados, resguardando o antigo quarto de dormir, transformado agora em escritório ou, se necessário, dormitório de hóspedes.

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Assim, enquanto a suíte principal cumpre a função de área íntima, os demais ambientes podem ser reconfigurados para outras atividades, de acordo com a ocasião. “Como o apartamento possui área total diminuta, a marcenaria planejada torna o espaço mais funcional”, diz Piacesi. Móveis projetados especialmente para o apartamento dividem espaço com peças escolhidas a dedo conforme o design e a função.

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Outra medida que causa a impressão de amplitude foi a padronização da pintura com efeito de concreto, que se estende das paredes até o teto. “Isso e o uso de serralheria com pintura preta garantem a atmosfera industrial e contemporânea do projeto”, diz.

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Segundo Piacesi, os materiais escolhidos foram cruciais para conseguir o efeito de amplitude espacial – caso do revestimento Liverpool Black Portobello usado na cozinha –, além da paleta de cores escolhida, com branco, preto e cinza e alguns pontos de cor, como o azul do sofá.

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A iluminação foi feita através de perfis metálicos e spots que trazem o conceito industrial e contemporâneo ao apartamento e auxilia na continuidade sinestésica, percorrendo todos os ambientes sem fragmentar ou delimitar os espaços.

David Chipperfield– Vitorino Campos AW17 (Foto: Divulgação)

Enxergar, elaborar e traduzir a essência feminina para transformá-la em algo físico é, por si só, uma obra de arte. Isso porque não existe um estereótipo geral para enquadrar todas em uma só figura, imagem ou tendência. Prova disso é o estilista Vitorino Campos que segue à frente da sua marca homônima e da Animale, produzindo peças para identidades femininas opostas, mas com ares de elegância indiscutível. A explicação para tal maestria deve-se a inspiração principal de suas coleções, a arquitetura.

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Carlo Scarpa – ANIMALE AW17 (Foto: Divulgação)

O encontro de opostos, como delicadeza e força, ou timidez e ousadia, coloca a favor dos admiradores e clientes do trabalho de Vitorino uma verdadeira aula de história arquitetônica, feita para vestir. “São mulheres contemporâneas, fortes, que primam pelo belo, pela qualidade e valorizam roupas bem feitas”, explica ele. De primeira, pode parecer impossível visualizar as David Chipperfield ou Carlos Scarpa em um vestido, mas para o estilista baiano nenhuma referência precisa necessariamente resultar em algo óbvio - vide seus últimos desfiles.

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Tadao Ando – ANIMALE AW16 (Foto: Divulgação)

“São inspirações que vêm a partir do estudo que uma obra ou arquiteto nos traz, daí traduzimos tudo sob a minha ótica. Escadas viram plissados, shapes orgânicos se tornam vestidos de seda, ângulos retos se transforma em recortes geométricos”, comenta Vitorino Campos, que adora, inclusive, transformar materiais usados pelos arquitetos em brincos, aviamentos, detalhes e até cores. “Uma estrutura metálica pode se tornar uma bolsa; uma porta, um bolso. Tudo depende do olhar que se tem.”

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Carlo Scarpa – ANIMALE AW17 (Foto: Divulgação)

Por mais que o diálogo entre diferentes áreas seja necessário para uma explosão de produções autorais e cheias de histórias, muitas vezes não damos conta de que a arquitetura e a moda, em específico, podem sim mesclar suas trajetórias. No caso de Vitorino, a admiração das formas surgiu junto com o interesse pela arte e música, comprovando a intersecção entre as vertentes. “Acredito que é na observação do mundo que o senso estético vai se apurando. Meu encanto foi se formando desde a infância, onde convivi com a riqueza arquitetônica da Bahia, e a partir da descoberta de artistas que eu pesquisei, exposições que assisti, viagens que fiz. Considero a arquitetura algo muito inspirador para meu universo profissional”, revela.

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Tadao Ando – ANIMALE AW16 (Foto: Divulgação)

Dentre as recentes paixões, Tadao Ando foi fonte primária para a elaboração da coleção do inverno 2016 da Animale. “Fiquei encantado pelas linhas limpas e simples e o uso da luz natural como elemento arquitetônico”, comenta Vitorino. Nas peças, observe os recortes concisos, o jogo entre fluidez e resistência e a paleta sutil, que surge acompanhada de tons mais fortes, como um elemento surpresa das obras de Ando.

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Zaha Hadid – Vitorino Campos SS17 (Foto: Divulgação)

Há também um pouco de Zaha Hadid em Vitorino. “Fico abismado com a capacidade dela em transformar estruturas e materiais tão pesados em curvas tão leves. São obras contemporâneas repletas de personalidade.” As listras diagonais, o movimento do tecido e o uso de veludo sobreposto a transparência revela a delicadeza do olhar do estilista em traduzir as obras da arquiteta em peças de leveza ímpar.

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David Chipperfield– Vitorino Campos AW17 (Foto: Divulgação)

Entre os marcos arquitetônicos, Vitorino ressalta Oscar Niemeyer e Renzo Piano. “Impossível ser brasileiro e contemporâneo de Niemeyer e não citar sua obra. Brasília por si só é um marco histórico e artístico transformador. A genialidade do arquiteto é observada principalmente na Catedral de Brasília - feita somente com uma peça de concreto repetida 16 vezes”, encanta-se. Para o segundo nome citado, Vitorino indica o museu George Pompidou, em Paris, uma quebra de estética no meio da cidade. “Foi um choque para os franceses a vanguarda do museu com seus tubos coloridos à mostra, aquele exoesqueleto no meio da cidade em choque com os prédios tradicionais. Ele traduz a arte contemporânea em si mesmo. É incrível.”

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Tadao Ando – ANIMALE AW16 (Foto: Divulgação)

Com tantas opções para observar, o universo de Vitorino Campos não poderia se dar de outra forma. Transcender as barreiras da moda, da arquitetura, design, arte, ou o que for, mostra como tudo está sempre interligado, basta construir o olhar. “A simbiose é ideal. O escopo dos projetos vem das formas, das estruturas, das linhas e proporções. Um milímetro pode transformar tudo. A moda está na cidade, ela vive e vem da arquitetura, do design.”

Zaha Hadid – Vitorino Campos SS17 (Foto: Divulgação)

Carlo Scarpa – ANIMALE AW17 (Foto: Divulgação)

Vitorino Campos (Foto: Divulgação)

Além do tamanho do apartamento ou da localização do prédio, a arquitetura do edifício pode influenciar, e muito, a experiência do morar em uma cidade. Em São Paulo, isso não é diferente. Por isso, entre prédios murados e padronizados, destacam-se obras mais antiga, projetadas por arquitetos hoje bastante renomados que tinham em comum a nobre proposta de criar edifícios que dialogassem com a cidade que cresceu ao seu redor.   

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Pensando nisso, selecionamos os top 10 edifícios assinados (além do Copan que já mais do que conhecido) que você ainda pode escolher como lar. São prédios cheios de história que marcam presença aonde estão, sejam bairros nobres da cidade, como Higienópolis, ou mesmo o tradicional Centro antigo de São Paulo.  

Localizado na rua Maranhão, no bairro de Higienopolis, o Cinderela foi inaugurado em 1956, tem 10 andares e, embora as varandas contínuas disfarcem, tem dois blocos com dois 2 apartamentos por andar cada. 

Neste edifício, o salão de festas fica no topo, aonde um amplo jardim conecta os dois blocos do prédio.

Projetado entre 1934 e 1938 pelo engenheiro e arquiteto Álvaro Vital Brazil, o Edificio Esther, que fica no Centro de São Paulo, tem 10 andares que abrigam 103 unidades, nas quais misturam-se apartamentos comerciais e residenciais. Um marco da verticalização em São Paulo, o edifício tem caido na graça dos paulistanos e hoje abriga até mesmo um dos restaurantes do chef Olivier Anquier.   

Projetado por Enrico Brand na decada de 30, o edifício Germaine foi o primeiro "flat" da cidade de São Paulo. Nele ficavam fazendeiros que vinham para a cidade a trabalho e queriam abrir mão dos casarões sem deixar o luxo de lado. 

O prédio ainda abrigou duas redes de hotéis diferentes, até ser vendido no ínicio deste século quando, com a colaboração do arquiteto Pierre Mermelstein viu suas suítes virarem apartamentos residenciais de 38 a 75 m2. 

Clássico representante da arquitetura moderna em São Paulo o edifício Louveira, localizado no bairro de Higienópolis, foi projetado em 1946 pelos renomeados arquitetos João Batista Vilanova Artigas e Carlos Cascaldi.

Com duas torres, uma com 6 e outra com 7 andares, e um patio interno aberto para circulação de moradores e pedestres que passam pela região, o projeto é famoso por proporcionar a integração visual do espaço público e privado, assimilando a praça Vilaboim, que está em frente, ao interior do edifício.

Construído no final dos anos 50 por Gian Caro Gasperini e Jaques Pilon, o edifício Paulicéia, localizado em um grande terreno na Av. Paulista, reúne muitas das principais características da arquitetura moderna, como fachada com pastilhas e venezianas, além de marquises e pilotis no piso térreo - conectando as duas torres.

Foi inspirado nas cores e na descontração da arquitetura do Rio de Janeiro, que  Artacho Jurado projetou o edifício Planalto. No total, são 70 apartamentos, que variam de 44 a 127 m2, e estão distribuídos em blocos conectados por corredores de serviço.  

Com apartamentos que variam entre 315 e 350 m2, o edifício Prudência, em Higienópolis, foi projetado no final dos anos 1940 e soma 36 apartamentos. Os grandes destaques do projeto estão na planta interna, que permite que você retire as divisórias dos quartos, deixando o espaço livre para redefinições, e no paisagismo assinado por Roberto Burle Marx - que ainda é o criador dos azulejos que até hoje decoram o hall de entrada.

Como acontece em outros edifícios projetados por Artacho, no Saint Honore previa-se uma fachada inteira revestida com pastilhas coloridas - o que acabou não sendo possível por questões de orçamento. 

Mesmo assim, o prédio contruído entre o final dos anos 1950 e o ínicio dos anos 1960, destaca-se entre as outras construções da Av. Paulista  pelo curioso formato em L. Grandioso ele tem 25 andares, com 6 apartamentos por andar que variam entre 170 e 223 m2.

Construído no estilo Art Deco, o Edifício Santa Elisa, que fica no Largo do Auroche, zona central de São Paulo, foi projetado por Arnaldo Maia Lello em 1928. 

No projeto original, porém a fachada não era pintada e sim revestida de pó de pedra e pó de mica. 

A parte interna, no entanto, contínua praticamente a mesma e surpreende pelas texturas do piso e os desenhos das grades e portões de ferro fundido. 

Localizado no Viaduto Maria Paula, na zona central de São Paulo, o Edifício Viadutos foi idealizado por Artacho na década de 1950. 

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Com proporções gigantescas o prédio possuí 30 mil m2 de área construída, 27 andares, 368 apartamentos e 12 elevadores para levar moradores e convidados para cada um deles.

Na hora de decorar o quarto das crianças, a dúvida entre estilo e durabilidade sempre surge. No caso deste ambiente, a dupla por trás do estúdio norte-americano Two Lovely Gays optou pelas duas opções.

O protagonismo fica por conta do painel ilustrado comissionado à dupla Gilles and Cecilie. Geométrico e cheio de cores vibrantes, ele é sofisticado e divertido ao mesmo tempo, prometendo resistir por bons anos enquanto a criança cresce.

As roupas de cama seguem a tendência escandinava e mixam estampas de formas básicas em preto e branco. O piso revestido de carpete azul e os móveis coloridos, mas de linhas puras, compartilham a dualidade entre o infantil e o cool.

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No fim das contas, qual adulto não amaria ter um quarto como este?

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Sustentabilidade é um assunto cada vez mais presente na vida das pessoas contemporâneas. Isso porque, após o boom do capitalismo e, consequentemente, do lixo gerado pelo consumismo, as pessoas estão cada vez mais buscando alternativas para uma vida mais consciente. Incluindo, claro, a saúde habitacional.

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Mesmo com projetos arquitetônicos intermináveis, as construtoras cada vez mais buscam saídas para implementar o verde nos terrenos e até na extensão vertical, no caso de falta de espaço. Disso surgem arranha-céus, museus e apartamentos que prezam pela presença de plantas e flores para auxiliar na limpeza do ar. Além de trazer um pouco de cor para as cidades globais transformadas em uma verdadeira selva de pedra. Aqui, Casa Vogue separou sete projetos para ficar de olho!

Arranha-céu é todo coberto por plantas

Projeto do escritório WOHA, na região de Tanjong Pagar, o Oasia Hotel Downtown é opção verde de hospedagem em Singapura. A construção, claro, surpreende, mas não só pela estrutura vermelha vazada. O prédio de 27 andares adota mais de 21 espécies de trepadeiras para cobrir toda a fachada do arranha-céu.

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23 mil árvores para reduzir o carbono no ar

Ousado prédio residencial assinado pelo arquiteto Vincent Callebaut, conhecido por suas causas ecológicas, traz 23 mil árvores plantadas nos 20 andares (ao todo são 42 apartamentos). O jardim vertical criado fica no meio do bairro de Taipei City, em Taiwan, e ainda tem no teto da construção mais de mil metros quadrados para abrigar painéis de energia solar.

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Primeira floresta vertical asiática

As torres elaboradas pelo escritório de arquitetura de Stefano Boeri possuem 600 árvores altas, 500 de porte médio e 2500 plantas em cascata, contemplando 23 espécies da região de Nanquim, na China. A Nanjing Green Towers é o primeiro passo para os investimentos na arquitetura verde e ajudarão a regenerar a biodiversidade local, além de absorver 25 toneladas de CO2 e produzir 60 kg de oxigênio por dia.

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Primeiro arranha-céu de Tolouse já tem arquitetura verde

Assinado por Daniel Libeskind, a Occitanie Tower, ou "torre de jardim", é o primeiro arranha-céu de Toulouse, na França. A torre possui 150 metros de altura e 40 andares é toda coberta por árvores.

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Prédio de Nouvel tem maior jardim vertical

Pode não parecer, mas é uma construção residencial. O condomínio One Central Park, em Sydney, é dividido em duas torres, a mais alta com 166 metros de fachada e a outra com 64,5 metros, ambas cobertas com 190 tipos de plantas australianas e 160 espécies vegetais exóticas. Quem assina a construção ousada é o botânico francês Patrick Blanc.

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Jardim cria experiência sensorial

Mais um projeto em Singapura, do escritório DP Architects. O edifício residencial de dez andares apresenta plantas verticalmente e também dentro dos apartamentos, que variam entre 70 m² e 150 m².

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Museu com telhado de grama

E quem disse que projetos verdes se restringem aos arranha-céus? O Biesbosch Museum, na Holanda, com arquitetura de Marco Vermeulen, resolveu o problema de zonas de retenção de água do país recortando o terreno em volta e recolocando o verde no telhado. Gerando assim uma mini ilha visual, camuflada na paisagem.

Uma seleção mais do que especial de décor, design e lifestyle está na lista de sugestões de presentes para o dia das mães da equipe Casa Vogue. Confira nossas dicas e inpire-se!

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Memórias do passado
“Minha dica é fazer um passeio pela loja Acervo Brutto – tudo lá me encanta. Um paraíso vintage perfeito para encontrar presentes para as mães!”

Adriana Frattini, diretora de estilo
 

Tecidos mágicos
“Coloridos, vivazes e atemporais, com um quê vintage, os tecidos da sueca Svenskt Tenn irão agradar em cheio a minha mãe, que encomendará almofadas, cortinas e cúpulas feitas com eles. Trata-se do paraíso das estampas em Estocolmo, uma empresa quase centenária que, além de manter uma produção atual, edita móveis e inúmeros padrões criados pelo arquiteto, artista e designer Josef Frank (1885-1967), como os das fotos.”

Artur de Andrade, redator-chefe
 

Doce comemoração
“Quitutes são sempre boas opções para presentes. Neste dia das mães, para adoçar a vida da Dona Cristina, vou dar chocolates! Mas, para não deixar de surpreender, vou investir nas barras de chocolate da marca baiana AMMA – feitas somente com ingredientes orgânicos, elas têm várias gradações de cacau e um sabor bem diferente. A marca ainda se compromete com o reflorestamento da Mata Atlântica do Sul da Bahia!”

Giovanna Maradei, repórter

Banho chic
"Minha mãe é fã de aromas e objetos de decoração. Tenho certeza de que ela vai adorar os sabonetes da marca francesa Seem Soap, desenvolvidos por Valentine Sée e Mathilde Lehmann no estúdio da dupla em Paris. São objetos efêmeros, esculturas que variam com o tempo e o uso."

Lígia Nogueira, colaboradora
 

Joia rara
“Neste dia das mães eu gostaria de presentear com joias contemporâneas: com materiais e formas inusitadas, os anéis de Janice Perez, de Belo Horizonte, que estará em São Paulo para a Feira Rosenbaum, unem madeiras nobres e pedras naturais em formas ousadas e sofisticadas. Já os colares da Vereda Joias fazem um mix entre os minerais diferentes para unir vibrações de bem-estar. Ambos lindos e com a cara de hoje!”

Michell Lott, editor online

Café elegante
“Minha mãe é fã de compartilhar um bom café e adora peças com história, mas tem um estilo mais despojado. Sendo assim, pensei no conjunto de café da Sargadelos, cerâmica espanhola da qual sou fã. As peças estão à venda no site da marca ou em São Paulo no Antiquário República das Flores, que costuma ter alguns modelos vintage.”

Natália Martucci, produtora

Clássicos do cinema
"Minha mãe é fã dos grandes cineastas e como eu tenho uma coleção de filmes gigante, o acervo acaba ficando comigo. Claro que emprestar é algo corriqueiro, mas existem algumas obras da sétima arte que são obrigatórias na prateleira. Pedro Almodóvar, Wim Wenders e Woody Allen são alguns dos preferidos dela."

Paula Jacob, repórter

Fragrância marcante
“Para a minha mãe, perfumes sempre foram muito bem recebidos. Minha aposta para esse ano é o Sì Intense da Giorgio Armani.  É um chipre amadeirado, cujas notas de bergamota e tangerina italianas, frésias, groselhas pretas e extrato puro de baunilha trazem um toque mais feminino.”

Rafael Zambom, designer

Fragrância marcante
“Eu daria um jogo completo de cerâmicas do artista mineiro Máximo Soalheiro, com travessas, jogo de chá e café.”

Taissa Buescu, diretora de redação
 

Delicadeza
“As peças da Kimi Nii já se tornaram meu presente curinga. São esculturas, vasos e utilitários delicados e cheios de poesia, perfeitos para o dia das mães. Vale ficar ligado: o Atelier Kimi Nii fará um bazar até o dia 13 de maio em São Paulo.”

Thalita Munekata, designer

Relax total
"A memória afetiva inspirou meu presente. Quando eu era criança, minha mãe sempre pedia que eu fizesse massagem nela. Por isso, tenho certeza que uma longa sessão de Massagem Relaxante Aromacologia no Spa L’Occitane será o melhor presente – não tenho nenhuma dúvida de que ela vai adorar!"

Winnie Bastian, editora de design e arquitetura

Na casa do diretor criativo Rory Rockmore, todos os mínimos detalhes foram cuidadosamente pensados, escolhidos ou customizados para que uma decoração única fosse alcançada. Neste canto, fica difícil eleger um protagonista, já que todos os elementos têm personalidade o suficiente.

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Sobre um armário com faces revestidas com espelhos, dois elementos trazem a personalidade bem humorada dos anos 80 para o presente: um telefone em forma de boca e um néon – sendo o último responsável por ditar a paleta de cores: azul claro, rosa e verde.

via Apartment Therapy

Os proprietários deste apartamento de 162 m² no bairro da Chácara Klabim, em São Paulo, queriam um lar elegante e que ao mesmo tempo fosse um espaço acolhedor e funcional para a família com dois filhos adolescentes. Por meio de uma indicação, chegaram ao escritório de arquitetura GF Projetos, que se prontificou a realizar todas as adaptações necessárias.

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Assim, o projeto foi tomando forma, com direito a ampla varanda integrada, generosas doses de madeira, marcenaria planejada e uma paleta de cores que passeia entre o cinza e o branco. O toque de cor fica por conta de alguns acessórios pontuais, caso da poltrona laranja do living, e do jardim vertical, que adorna uma das paredes da sala de jantar, decorada com lustres em forma de esferas de vidro. “Aqui, o uso de tijolinhos deixou o ambiente despojado”, diz a arquiteta Gabrielle Fuzinato.

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Móveis planejados, como os armários da cozinha, otimizam os espaços e contribuem para a atmosfera contemporânea que se sobressai no décor, com linhas retas e tons neutros. Algumas peças-chave merecem destaque, como o rack da sala de TV, feito de madeira freijó, e a mesa móvel no escritório, que permite reconfigurar o ambiente conforme a necessidade dos moradores.

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“Cada item foi pensado minuciosamente para sua função, mas sem deixar o design de lado”, diz a profissional. “Isso é bem perceptível no painel da sala de jantar, feito de folha natural de madeira freijó de ponta a ponta, com a porta integrada como se fosse uma única peça.”
A iluminação também foi planejada nos mínimos detalhes. “Fizemos o uso da iluminação uniforme e indireta nos ambientes mais reservados e direta nos ambientes de serviço, como a cozinha”, explica.

Não importa se seu lar é um pequeno apartamento ou uma ampla casa com terraço, ter uma horta particular é sempre possível - embora não seja tão fácil quanto pareça no Pinterest. Nem todo mundo fala, mas para que suas mudinhas cresçam saudáveis é preciso um pouco mais do que uma jardineira, um punhado de terra e um pouco de água.

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Conversamos com Sabrina Jeha, do Sabor de Fazenda, e com a ajuda dela - e o repertório de erros e acertos cometidos pela equipe da redação da Casa Vogue, listamos 8 dicas básicas para que você não faça como a gente e acerte de primeira na horta da sua casa.
 

Uma horta precisa de no mínimo quatro horas de sol por dia para se manter saudável . Se a sua cozinha não tem essa incidência de luz, por mais charmoso e prático que pareça ter os temperos ao lado do fogão, você terá que achar um novo local para seus vasinhos.

Muitas vezes as mudas de ervas são vendidas em charmosos vasinho, mas isso não quer dizer que é ali que elas devem ficar para o resto de suas vidas. Para que cresçam saudáveis as ervas precisam de um vaso com no mínimo 15 cm de profundidade.

Para que a água não fique acumulada e a sua muda termine afogada, é preciso preparar o terreno. O vaso  (ou recipiente que for usado) deve, necessariamente, ter um furo em baixo para que a água escorra - se for uma lata, por exemplo, basta fazer um furinho com um prego. Além disso, a primeira camada precisa ser preenchida com pedras e areia. Só depois vem a terra e a planta.

Nem todas as ervas vão compartilhar uma mesma jardineira de forma pacifica. Além de checar se elas demandam os mesmos cuidados quanto a iluminação, terra e rega, vale pesquisar um pouco sobre o comportamento da planta. A hortelã, por exemplo, é super espaçosa e por isso o mais recomendado é plantá-la em um vaso separado "se não ela vai sempre morrer ou matar alguma outra mudinha" comenta Sabrina

É  mais comum que os marinheiros de primeira viagem matem suas hortas afogadas do que secas. As regras para regar uma planta mudam completamente de acordo com o ambiente que ela está. Tipo de vaso, temperatura, presença de vento, tudo isso influência. Por isso, o ideal é colocar a mão na terra e sentir se ela está úmida ou não. Se a superfície está seca, mas a terra está molhada mais em baixo, não é preciso regar.

Além do adubo colocado na hora de plantar a muda no vaso ou na jardineira, é preciso continuar adubando a horta uma vez a cada 2 meses - pelo menos. Só assim a terra permanece fértil para que as mudas cresçam saudáveis.

Não é incomum que as pessoas se apeguem as suas plantas e acabem tendo medo de podar as folhas secas ou os galhos doentes, o que no fim pode acabar prejudicando a sua plantação. O manjericão por exemplo, precisa ser bastante podado e até suas flores devem ser retiradas, caso contrário sua haste fica muito longa e fraca.

Arrancar com a mão apenas as folinhas que você vai usar para a próxima receita pode parecer prático, mas não é nada recomendável. Na hora de colher os itens de sua horta, o ideal é cortar um ramo, incluindo os cabinhos, com uma boa tesoura. Assim você evita abalar a estrutura da planta e deixa as condições favoráveis para que nasçam novos brotos.

Sem carne, mas com tofu, a receita de Baião de Dois dos nossos colunistas da Simplesmente, é um prato leve, mas ainda cheio de temperos e sabores. Uma aposta certeira para agradar vegetarianos e carnívoros no almoço de dia das mães!  Veja a receita completa a seguir, são apenas 5 passos! 

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BAIÃO DE DOIS

Ingredientes:
125g de arroz cateto integral
125g de feijão carioca
375g de pimentão vermelho em tiras
250g de couve em tiras
375g de cenoura em tiras
375g de tofu em cubos
250g de cebola em fatias
10g de alho picado finamente
5g de pimenta dedo de moça em cubinhos
10g de coentro picado finamente
10g de salsa picada finamente
1 limão
100ml de azeite extra virgem
sal rosa do himalaia a gosto

Modo de preparo:
1. Cozinhar o arroz e o feijão separadamente.
2. Refogar os legumes no azeite e alho.
3. Assar o tofu com azeite em forno pré aquecido 200°C por aproximadamente 20 minutos.
4. Em uma panela, misturar todos o ingredientes e temperar com salsa, coentro, limão, azeite e sal rosa do himalaia a gosto.
5.Refogar até os sabores se envolverem.

Megalomaníaco que é, impossível não perceber as famosas Trump Towers espalhadas pelos estados americanos. Isso porque Donald Trump chama atenção até com a arquitetura de seus negócios. Porém, para a surpresa do atual presidente dos Estados Unidos, o artista e arquiteto Jeffrey Roberts, do New World Design, encontrou outra maneira de atrair os olhares para a espelhada torre de Chicago, usando nada menos que porcos voadores dourados.

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A ação, na verdade, é um protesto artístico inspirado no conto Revolução dos Bichos, de George Orwell. A história da publicação gira em torno da metáfora de traduzir seres humanos em formas animais, ficando os políticos com a imagem de porcos. A associação de Flying Pigs on Parade (Parada dos Porcos Voadores) ainda contém o imagético porco do Pink Floyd, do álbum Animals (1977), criado por Roger Walters, Storm Thorgerson and Aubrey Powell.

A declaração de Jeffrey Roberts foi feita em novembro passado, mas ainda não tinha data para a realização da instalação. O ato contra o governo deve acontecer durante o verão do hemisfério norte, passando por todas as cidades que tenham Trump Towers. A instalação artística, portanto, é itinerante e deve ficar apenas um dia em cada locação.

Essa não é a primeira vez que um artista americano se volta contra o governo de Donald Trump. O irreverente Banksy e Ai Weiwei são alguns dos nomes da lista. O último, de ascendência chinesa, irá espalhar por toda Nova York barras e estruturas de ferro dourado para questionar as prisões sociais causadas pelo discurso de Trump. Para nenhum dos casos, o presidente americano se posicionou.

Criada como um tributo à humanidade, uma altíssima torre de ouro concebida pelo já falecido artista James Lee Byars, foi colocada entre a beira do canal e o Palazzo Barbarigo, em Veneza, na Itália.

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A instalação foi organizada pela Fondazione Giuliani, com o apoio da galeria Michael Werner para a Bienal de Veneza de 2017, sobe acima dos telhados da cidade e pode ser visto de diversos pontos, além de refletir na sua superfície dourada as fachadas de mosaico ao seu redor.

Para o curador da Bienal Alberto Salvadori a torre é um símbolo de ascensão.  "O esplendor do ouro remete ao sol, mas também à iluminação interior, ao conhecimento intelectual e à experiência espiritual, um conceito de divindade", explica o especialista.

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Com mais de 20 metros de altura, "a torre de ouro" é a maior obra de Byars e sua instalação em Veneza é a primeira a realizar plenamente as intenções do artista de apresentar a escultura em um espaço público.

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A jovem moradora deste apartamento queria ter um ambiente confortável para receber muitos amigos. “Para uma única pessoa esse imóvel de 48 m² é confortável, mas a proprietária recebe muita gente e o apartamento está sempre cheio. Então é como se mais gente morasse nele”, explica a arquiteta Fabiana Silveira, do SP Estudio, escritório responsável pela reforma.

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O primeiro passo da obra que transformou por completo o apartamento foi a integração da cozinha com a sala. A intervenção, a princípio, não agradou a moradora, que tinha receio de não conseguir manter a louça em ordem e, com isso, deixar o living com um aspecto bagunçado. “Quem tem a cozinha integrada à área social, principalmente em apartamentos pequenos, precisa manter tudo em ordem. É como se o ambiente deixasse de ser cozinha e passasse a fazer parte da sala”, diz Fabiana.

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Depois de eliminar as paredes entre os espaços, a arquiteta tratou de trocar todos os revestimentos para que a decoração ficasse mais clara. O piso recebeu porcelanato que imita cimento queimado e a parede da cozinha ganhou uma faixa de azulejos de estampa geométrica, estilo que conversa com o restante do estar. “A marcenaria aqui também teve um papel importante. Usamos um mesmo móvel para servir de bancada de apoio na cozinha e aparar a TV na sala”, afirma Fabiana.

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Outro recurso bem-vindo que veio com os móveis feitos sob medida foi o banco para oito pessoas colocado na sala de jantar para receber os amigos em dias de festa. “Além de criar muitos espaços para sentar, ele é um baú que funciona como espaço para armazenamento.”

Na área íntima, um dos quartos foi transformado em closet, com bancada e espelho iluminado para se maquiar. Na suíte, um recurso simples deu mais charme à área da cama. “Como tínhamos o orçamento reduzido, em vez de comprar uma cabeceira, pintamos meia parede de cinza escuro. Uma ideia fácil e que garantiu um resultado acolhedor.”

Bolo de chocolate com cobertura é quase uma unanimiadade entre os amantes de doce. Bom para o café da manhã, a sobremesa ou o lanche da tarde, ele é um clássico com inúmeras receitas por aí. Poucas delas, porém, são tão apetitosas, e práticas, quanto a receita do “Gateau de Chocolate”, servida na Brasserie Mimolette, no Rio de Janeiro. Cobfira abaixo o passo a passo completo.

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Gateau de Chocolate (Brasserie Mimolette)

Rendimento: 4 porções

Ingredientes

Bolo
400g de chocolate meio margo
250g ou 1 xícara de café de açúcar
350g ou 1 ½ xicara de café de manteiga sem sal
200ml ou 1 copo americano de água
8 ovos inteiros
Manteiga para untar a forma

Calda
200g de chocolate meio amargo
200ml ou 1 copo americano de creme de leite fresco

Modo de Preparo

Bolo

- Na batedeira em velocidade média, misture os ovos com 1/3 do açúcar e bata por 10 a 15 minutos. Reserve.
- Em uma panela pequena, em fogo baixo, aqueça o restante do açúcar com a água até que ele se dissolva e forme uma calda. Retire do fogo quando estiver em ponto de fio (esse processo leva em torno de 5 min.) Aguarde amornar.
- Junte o chocolate com a manteiga em pedaços, com a calda ainda morna, misturando até ficar homogêneo.
- Acrescente esse preparo lentamente à mistura de ovos, diminua a velocidade da batedeira e bata por 20 minutos, misturando com cuidado para não extrair o ar do preparo.
- Coloque a massa cuidadosamente na assadeira forrada e/ou untada com manteiga.
- Pré-aqueça o forno por 5 a 10 min em fogo médio e asse em banho maria por 30 minutos ou até que a superfície fique firme.

Calda

- Para a calda coloque o chocolate picado e o creme de leite aqueça em uma panela e misture até derreter todo o chocolate.
Sirva um pedaço do bolo em temperatura ambiente e a calda quente.

Em foto de Naira Mattia, amante do Millennial Pink, modelo posa na Muralla Roja, na Espanha, com maiô da Neptunia Clothing

Desde que a Pantone elegeu o Greenery como cor de 2017, a expectativa era de que o Rose Quartz, cor de 2016 junto com o Serenity Blue, começasse a sair de cena. Mas o que se viu foi o contrário: seja na moda, na decoração ou no design, ao vivo ou no Instagram, os tons róseos que partem do bege avermelhado e vão até o pêssego estão cada vez mais fortes. Foi assim que a matiz, também conhecida como Tumblr Pink e Scandi Pink (graças ao seu sucesso em ambientes com decoração escandinava) foi rebatizado: Millennial Pink.

Sim, como seu próprio nome sugere, o sucesso do rosa queimado está diretamente ligado à tão falada geração Y ou geração Millennium. "É uma tendência entre jovens a vontade de permanecer nesta fase da vida e não amadurecer, por isso o tom faz sucesso. Ele é nostálgico e está presente nas boas memórias da infância, nos milkshakes e nos pratos da pâtisserie, além de trazer uma sensação romântica, terna e confortável. Mas o que vemos agora é diferente: ele se emancipou de forma audaciosa e tomou conta de vários meios", explica Lili Tedde,  que representa a über trendhunter Li Edelkoort no Brasil.

Essa emancipação, inclusive, surge com carga política para ressignificar o rosa. Antes polarizador, sinônimo do universo feminino e sua alegada doçura, passa, para a geração Millennium, a ter certa carga irônica e a ser o estandarte do genderless (ou agênero em português) e da fluidez sexual, movimentos relacionados com o feminismo, com a luta pelos direitos LGBT e com a flexibilização dos conceitos de masculinidade. O uso rebelde do rosa, em parceria com o azul claro, tornou-se onipresente na plataforma da rede social Tumblr e coloriu com suavidade os movimentos artístico-digitais Seapunk e Vaporwave, nascidos em 2011, como mostra a reportagem do site Loki Design.

Foto de Lora Mathis publicada originalmente no Tumblr

No mundo criativo, os tons associados ao Millennium Pink vêm aparecendo há mais tempo, como mostra a New York Magazine em uma completa linha do tempo. "Ele pode remeter ao universo cosmético, saindo do blush e invadindo a moda e, posteriormente, o lifestyle", completa Lili Tedde. "Com o tempo ele se tornou mais envelhecido e elegante, mais sofisticado e um pouco mais pastel".

A nostalgia ajudou que o tom se solidificasse. A volta das referências dos anos 1980, 1990 e do começo dos anos 2000 trazem o rosa imortalizado por Ettore Sotsass em seu movimento Memphis, os frufrus de Patricinhas de Beverly Hills e o universo pink te Paris Hilton, como mostra a W Magazine neste vídeo. Os tons dessaturados do art déco também ressurgem com ares do passado, como no róseo Hotel Budapeste de Wes Anderson, lançado em 2014. E tudo isso é ressignificado, hoje, no Instagram.

O Hotel budapeste, de Wes Anderson, e sua fachada rosa

A rede social mais famosa do momento ajudou a emplacar o Millenial Pink com seus filtros envelhecidos, já que ele fica muito apelativo entre os tons esmaecidos, como mostram o The Guardian em uma seleção arrasadora de fotos arquitetônicas que lançam mão da cor e o perfil Plants in Pink, que inspirou a fotógrafa Naira Mattia, responsável pelas imagens que ilustram essa matéria, a arrumar as malas e partir para a Muralla Roja, uma construção residencial assinada pelo arquiteto Ricardo Bofill na cidade espanhola de Calpe.

"Sempre usei muito rosa nas minhas fotos. Quando conheci a 'Muralla' pelo perfil @plantsonpink do Instagram, me apaixonei. Aluguei um apartamento na própria construção e comprei uma passagem. Depois que publiquei várias fotosde lá no meu perfil da rede social, muita gente veio me falar que encontrei o lugar sagrado do meu trabalho", se diverte a fotógrafa de 24 anos.

Talvez seja muito cedo para dizer, mas parece que o Millennial Pink não pretende deixar o inconsciente coletivo tão cedo. "É difícil saber até quando ele permanecerá, mas todas as vezes que Li Edelkoort cria suas cartelas de cor, acha difícil deixá-lo de fora", finaliza Lili Tedde. " Talvez estejamos precisando dele. Vivemos em um mundo tão maluco que é necessário esse clima mais mais naive…"

Ficou inspirado? Veja abaixo uma seleção de matérias em que o Millennial Pink é protagonista:

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Sebastião Salgado (Foto: Zhong Weixing)

Reconhecer uma foto de Sebastião Salgado, Richard Avedon ou Christine Spengler pode até ser uma tarefa fácil. Contudo, saber o rosto dos respectivos nem sempre é tão simples assim. Fugindo um pouco da sua estética já conhecida, de retratar paisagens inóspitas com presença humana, Zhong Weixing apresenta uma nova proposta do olhar, justamente voltado para a pessoa por trás da lente. Face a Face com Grandes Fotógrafos é sua nova exposição e chega inédita ao Brasil.

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Vik Muniz (Foto: Zhong Weixing)

A principal inspiração para a realização da nova série provém do trabalho de Félix Nadar. O caricaturista francês fez retratos das celebridades da época (1851) em quatro pranchas litográficas. Infelizmente, apenas uma ficou pronta, com 250 escritores e jornalistas, e entrou para a história como Panteão Nadar.

Christine Spengler (Foto: Zhong Weixing)

Os retratos delicados de momentos únicos de cada artista variam entre versões preto e branco, característica forte de Weixing, e em cores sutis. Vik Muniz, Sebastião Salgado, Miguel Rio Branco, Robert Frank, Bernard Plossu, Richard Avedon, Duane Michals, Cristina de Middel, Martin Parr e William Klein são alguns dos nomes fotografados que estarão expostos no Museu Histórico Nacional do Rio de Janeiro, até 16 de julho.

Miguel Rio Branco (Foto: Zhong Weixing)

Face a Face com Grandes Fotógrafos
Local: Museu Histórico Nacional
Endereço: Praça Marechal  ncora, s/n – Centro – Rio de Janeiro
Datas: 11 de maio a 16 de julho de 2017
Telefone: (21) 3299-0324
Horário de Funcionamento: de terças a sextas, das 10h às 17h30. Sábado, domingo e feriados, das 13h às 17h
Entrada: R$ 10,00 – grátis aos domingos

Valérie Belin (Foto: Zhong Weixing)

Sabine Weiss (Foto: Zhong Weixing)

Martin Parr (Foto: Zhong Weixing)

Bruno-Barbey (Foto: Zhong Weixing)

Nobuyoshi Araki (Foto: Zhong Weixing)

Bernard Plossu (Foto: Zhong Weixing)

Elas estão com tudo e são capazes de trazer acolhimento sem afetação para um ambiente: as texturas rústicas, que materializam os tão falados conceitos de bem estar, como hygge e wabi-sabi, foram a ferramenta utilizada pelo hotel Casa Cook, em Kos, na Grécia, para dar vida a este quarto.

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A parede creme serve como pano de fundo para que elementos de tons terrosos, todos provenientes de materiais naturais trabalhados à mão, pontuem serenidade e uma profusão de texturas pelo quarto. O resultado é chic e despojado ao mesmo tempo!

Soleyl, filha de Yves e Sabrina, foge da cama do casal, onde também está Sky, filho mais velho do casamento anterior do designer – o quadro na parede é de Amikam Toren

Yves Béhar e Sabrina Buell moram naquela que talvez seja a casa mais high-tech de São Francisco hoje. Incrustada em uma ladeira íngreme na jovem e sofisticada região de Cow Hollow, sua fachada escura de alumínio anodizado cria um contraste marcante com as vizinhas mais tradicionais.

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Quando Yves ou Sabrina chegam, a porta da frente os reconhece e destrava automaticamente, sem que precisem fazer nada. Lá dentro, a TV se esconde em um balcão de metal e surge quando solicitada. Aperte um botão e o vão da escada se fecha, isolando a suíte máster no andar superior para total privacidade. Aperte outro e um show pré-programado de luzes emana de uma abertura entre parede e teto. É uma morada maximamente minimalista, um espaço de 350 m² recheado de ideias, onde boa parcela do mobiliário – armários, cadeiras, mesa de jantar, estantes em zigue-zague – é feita à mão, de modo elegante e sensual. Não há ostentação, mastudo está presente, disponível ao toque.

Sabrina Buell e a filha Sylver posam em uma extremidade do living em que dois sofás (1973) de Ubald Klug envolvem uma escultura de Nicole Wermers sobre tapete de Yves Béhar para a Moooi – acima da lareira, obra de Wyatt Kahn

A grande área de estar possui cozinha com armários e bancos desenhados por Yves sob pendente de Franz West, uma rara mesa de centro (1987) de Paolo Pallucco e, ao fundo, mesa e cadeiras de jantar assinadas pelo designer, as últimas para a HBF

Com exceção de alguns poucos móveis, todos os detalhes foram concebidos e projetados por Yves. A arte – em sua maior parte de autores conhecidos do casal – é território de Sabrina. A dupla convive com suas quatro crianças e o lar se encaixa perfeitamente em suas vidas.

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Nascido em Lausanne, Suíça, Yves é o designer inovador que deu ao mundo a Jambox, ajudou a fundar a Ong One Laptop per Child e desenvolveu uma série de produtos de longo alcance social e ambiental (August Smart Lock, o sistema de fechamento que reconhece o dono da casa, é uma de suas invenções mais recentes).

A estante do escritório de Yves tem desenho em zigue-zague para que os livros não peguem sol – o sofá (1970) de Luigi Colani foi forrado com tecido da Kvadrat

Nos anos 1990, ele abriu a Fuseproject, sua empresa de design e branding, com escritórios em San Francisco e Nova York. Herman Miller, Samsung, Movado e Prada estão entre seus muitos clientes. Esta é a primeira residência de Yves – mas provavelmente não será a última. “É como experimento”, diz o arquiteto David Adjaye, seu grande amigo. “Ela dá conta das idiossincrasias de Yves, com lições que certamente irão se tornar parte da forma como o mundo é feito, porque ele é um pensador radical e está pensando sobre o futuro.”

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O jardim da casa, criado por Yves Béhar em parceira com Mary Scott, só com espécies do norte da Califórnia

Sylver e Sky jogam bola sobre um deque de grama artificial da AstroTurf concebido pelo artista Barry McGee

Sabrina, uma consultora de arte que cresceu em São Francisco, conquistou o que muitos antes dela não conseguiram – apresentar a arte contemporânea à comunidade do Vale do Silício. O que ela descobriu é que os profissionais de tecnologia não estavam interessados na arte digital que os demais marchands presumiam que estariam; o que eles desejavam era o handmade, e ela foi atrás disso. Consultores de arte devem sertão discretos quanto psiquiatras a respeito de seus clientes, mas Sabrina pode dizer que assessora Mike e Kaitlyn Krieger (Instagram), Mark e Alison Pincus (Zynga e One Kings Lane) e há relatos de que ela trabalha com Larry Page e Lucy Southworth (Google).

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Pensada por Yves, a cama do casal é capaz de se dividir para virar dois sofás que acomodam a família em sessões domésticas de cinema – a tela, claro, fica oculta durante o dia

Situado no nível da garagem, o tal portão inteligente esconde uma construção de quatro andares, cuja atração principaléo estar, uma área aberta, livre de colunas, com paredes de vidro que vão do chão ao teto em ambas extremidades: pode-se observar a baía de um lado e a cidade do outro. Os degrausflutuantes de aço que levam aos quartos e ao escritório de Yves e Sabrina são revestidos de borracha para abafar ruídos.“Quando você tem quatro filhos e duas empresas[no mesmo lugar], procura eliminartodo tipo de barulho”, afirma ele. A poluição visualtambém é mantida em patamar mínimo, com instalações e armários embutidos,resultando em uma organização surpreendente. “Espaços precisam terintegridade própria”, fala Yves,sobre a maneira como enxerga osinteriores.“O resto é irrelevante.”

O designer posa diante de outra criação sua, o portão da casa, de alumínio anodizado com padronagem industrial e dotado do sistema de fechamento da August, que reconhece os moradores quando eles chegam

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A ideia de pintar metade da parede de uma cor e metade de outra pode, à primeira vista, remeter ao passado, às casas de avós, aos casarões coloniais ou às escolas por onde passamos. Apesar desse inegável perfume vintage, uma vez que a inspiração vem das paredes cobertas até o meio com painéis de madeira chamados boiseries, a técnica da parede bicolor voltou com tudo e é capaz de adicionar caráter gráfico e muito contemporâneo à decoração.

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Enquanto no passado as combinações mais comuns traziam tons diferentes da mesma cor – o mais escuro na parte de baixo e uma versão mais clara na de cima – atualmente a ideia é ousar: quanto mais contrastantes forem, melhor.

A altura da linha também faz toda a diferença. Quando posicionada mais abaixo, pode passar a impressão de um rodapé expandido, maior e mais dramático. Quando colocada no alto, cria uma moldura próxima do teto.

Seja para trazer um certo clima retrô ou para adicionar a ousadia dos dias atuais, as paredes bicolores são uma maneira fácil de injetar personalidade na decoração da casa. Veja abaixo alguns exemplos e inspire-se! E se você quer ir além das parede divididas em duas cores, confira uma matéria especial com outras técnicas para criar paredes decoradas.

Nesta sala de estar monocromática criada pela VtWonen, dois tons de verde foram eleitos para criar o efeito bicolor na parede em sua forma mais clássica. Ficou por conta da moldura da porta, pintada de azul, e das nuances mais profundas adicionar um toque de ousadia.

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Outra boa ideia para dar novos ares às paredes bicolores é colocar a cor mais escura na parte de cima, invertendo a lógica tradicional, como fez Jean Christophe Aumas em seu exuberante apartamento parisiense. Além disso, Aumas adicionou uma pequena faixa amarela entre os dois tons, criando um efeito lúdico.

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O efeito dramático alcançado pela dupla Pella Hedeby e Marie Ramse neste home office foi causado pela escolha de duas cores muito contrastantes. Na parte de baixo, o preto não só pinta metade da parede como também as prateleiras e acessórios. Em cima, um suave tom de rosa quebra a escuridão.

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Na sala de jantar criada pelo casal Sydney Krause and Fabrice Boutyo, a parede que foi pintada de azul na parte de baixo e de branco na de cima ganha novas cores com a aplicação de luminárias de néon. Neste caso, o rosa traz uma nova personalidade para o ambiente.

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A atmosfera retrô vai embora quando as cores eleitas para aplicar a técnica das paredes bicolores são vibrantes e ousadas, como no caso deste ambiente produzido pela Casa Vogue na Casa Modernista. O verde-água e o amarelo presentes no tapete tomam conta das paredes em um brincadeira entre o passado e o presente que deu muito certo.

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Ao deixar que a metade de baixo fique maior, a linha criada pelo efeito bicolor é deslocada para cima, resultando em um efeito dramático e muito elegante, como fez a marca sueca Jotun neste espaço. Aqui, os tons terrosos se aliam ao uso do veludo, outra tendência que está forte no mundo do décor.

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Além de nuances do momento, como o atualíssimo cinza e o Millennial Pink, o ambiente criado pelo Estudio Dimore extrapola as paredes e toma conta do teto e do piso. Ousadia pura!

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Também criado pelo Estudio Dimore, este homme office cinza desloca a faixa inferior da parede bicolor lá para baixo, dando o feito de um grande rodapé. Um faixa dourada pincela sofisticação a mais.

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Neste quarto orquestrado por Ghislayne Viñas, um tom esverdeado de amarelo, umas das cores tendência do inverno 2017, toma conta não apenas da metade da parede, mas também da cortina, do criado mudo e dos travesseiros. O efeito é de impacto e muito criativo.

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Em vez de seguir até o piso, a faixa azulada desta sala criada pela Dulux permite que mais uma faixa branca seja criada, resultando em um efeito moderno que combina muito com a poltrona flúor do espaço.

Preparar a casa para a chegada da nova estação, reunir os amigos em torno da mesa, ler um livro e tomar um chá contemplando o silêncio. Tudo o que pode trazer conforto e sensação de bem-estar tem um nome ainda sem tradução para o português: hygge. O estilo de vida surgido na escandinávia não é novidade, mas voltou à tona desde que a Noruega (seguida da Dinamarca e da Islândia) foi considerada o país mais feliz do mundo de acordo com o relatório anual da ONU (Organização das Nações Unidas). O Brasil ficou em 22º lugar no ranking, que leva em conta fatores econômicos, sociais e políticos.

Qual é o segredo da felicidade? Além da cordialidade e de políticas de bem-estar social empregadas nesses países, muita gente atribui o sucesso ao conceito de hygge (pronuncia-se “rîgue”, ou “hu-ga”), praticado de maneira orgânica pelos povos nórdicos. Durante o inverno, os dinamarqueses têm apenas quatro horas de sol por dia e as temperaturas médias giram em torno de 0º C, o que faz com que as pessoas passem mais tempo dentro de casa. Segundo a professora Susanne Nilsson, que ensina conceitos de hygge em Londres, isso significa que as formas de se divertir no lar passam a ser muito importantes.

“Passar um tempo curtindo um aconchego com amigos e família, tomando uma cerveja ou um café com bolo, pode ser bom para a alma”, exemplifica Helen Russell, autora do livro “The Year of Living Danishly: Uncovering the Secrets of the World's Happiest Country” (O ano em que vivemos como dinamarqueses: Descobrindo os segredos do país mais feliz do mundo). O hygge também é tema de um blog (o Hello Hygge, criado por Kayleigh Tanner), de uma loja online de papés de parede e até de uma padaria em Los Angeles, especializada em pães típicos dinamarqueses.

Veja a seguir 5 maneiras de aderir ao estilo de vida hygge, independentemente do país em que você mora.
 

1. Crie ambientes acolhedores
Preparar a casa para as estações mais frias é um jeito hygge de encarar a vida. Que tal conferir 10 truques para ter uma sala mais quente no inverno? Apostar em velas, mesmo durante o dia, é outra dica dos dinamarqueses para criar um refúgio. Já decorar a casa com flores é uma boa ideia para deixar o ambiente acolhedor no dia dos namorados que se aproxima.

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2. Abra a casa e receba os amigos
Muito além de decorar a casa para as festas, o cuidado com cada detalhe é importante na hora de abrir as portas para os convidados. Veja 10 jeitos de receber bem os amigos e inspire-se no décor deste apartamento em São Paulo.

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3. Aproveite para cozinhar
Seja um simples bolo de chocolate para acompanhar uma xícara de chá, ou uma receita mais elaborada, investir em comfort food é um jeito prático e saboroso de aderir ao estilo de vida hygge. Também valem receitas como o bolo de coco molhadinho e o verdadeiro pão italiano.

​Ou, ainda, aproveite para adotar um modelo alimentar conhecido como plant based. Esse tipo de alimentação tem como base energética e nutritiva alimentos ricos em fibras e amidos. São o tipo confort food que amamos, mas geralmente considerados meros acompanhamentos nas principais refeições.

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4. Cultive objetos de valor sentimental
Que uma peça assinada, original e de época, tem o poder de transformar tudo ao redor, nós já sabemos. Na filosofia hygge, a ideia é valorizar móveis de família para resgatar a sensação de acolhimento. Poucos hábitos são tão reconfortantes, por exemplo, quanto tomar um chá na antiga louça dos avós.

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5. Arrume tempo para você

Tomar um banho relaxante e passar tempo sozinho lendo um livro pode ser incrivelmente reconfortante. Confira como decorar o banheiro com plantas, veja quatro maneiras de montar uma biblioteca em casa e aproveite o momento!

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